MUJERES ARTISTAS: MUJERES ARTISTAS

lunes, 9 de junio de 2008

MUJERES ARTISTAS

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MUJERES ARTISTAS

Si hasta finales del siglo XX las artistas fueron escasas, es prque las mujeres apenas tuvieron acceso a la cultura, como consecuencia de su posición de inferioridad en el seno de la sociedad. Tal vez la única excepción en la cultura occidental fuel la de las aristócratas francesas del siglo XVIII, que gozaron de una posición privilegiada en la literatura, en el arte e incluso en la política de su tiempo.
Pero en el resto del mundo, a casi todas las mujeres se les ha asignado, desde el Neolítico, unas tareas derivadas en primer lugar de su propia biología -la maternidad y el cuidado de los hijos-, al tiempo que se las limitaba a la esfera de lo doméstico, imponiéndoles trabajos muy pesados, como tareas agrícolas.
Es comprensible que a lo largo de la historia tampoco abunden ni médicas, ni arquitectas, ni abogadas hasta el siglo XX, en que la mujer se fue emancipando de sus roles tradicionales, impuestos por una sociedad gobernada por los hombres y sus leyes.

EDAD MEDIA

Es en la Edad Media dónde el papel de las monjas calígrafas e ilustradoras fue importantísimo. Tanto, que parce que dos de las obras fundamentales de la Edad Media, el Beato de Girona y el tapiz de Bayeux, fueron realizados por monjas. Entonces, los conventos eran los únicos lugares donde las mujeres podían ejercer tareas intelectuales como la escritura, la filosofía o la pintura de miniaturas. Del siglo IX al XII incluso se imponía a las abadesas la tarea de copiar manuscritos y pintar sus márgenes. Prácticamente se ignora qué manuscritos fueron pintados por monjes o por mojas, pues la inmensa mayoría no están firmados, ya qque el concepto de autor se desarrolló básicamente a partir del Renacimiento, pero conocemo algunos nombres de famosas ilustardoras: Adahlhrd, santa Gisela, santa Rathride y Diemud. El bellísimo Beato de Girona fue ilustado por el monje Emeterio y por la monja Ende, que firmó como <<>>, alrededor del año 975.
De la Edad media también es muy conocida Hildegard von Bingen y su extraordinario libro Scivias (1142-1152). Hildegard nación en enania en 1098 y entró en un convento de niña, a raíz de sus visiones místicas. En 1136 fue nombrada abadesa y escribió sesenta y tres himnos, varios tratados sobre plantas, metales, animales, rocas y libros de mística, como Scivias, que como el Beato de Girona, está profusamente iluminado con figuras silueteadas en negro y con colores muy vivos, que describen la Histora de la Salvación.
Durante el siglo XIII, con el crecimiento de las ciudades, la posición social de la mujer cambió ligeramente, pudiendo recibir herencias y encargarse del negocio deu marido tras su muerte. Los libros ilustrados empezaron a realizarse también fuera de los conventos y, aunque pocas,se tiene constancia de algunas mujeres miniaturistas, como Bourgot la autora del famoso libro Libro de las horas del Duque de Berry, quelo ilustró con su padre.

RENACIMIENTO

En le Renacimiento, la consideración de la mujer mejoró, pero en el siglo XV, entre las artistas sólo hallamos a monjas pintoras, una miniaturista y a la hija de Paolo Ucello.
No es hasta el siglo XVI cuando encontramos una artista importante Sofonisba Anguissola (1532-1625), cuya escasa maestría en el dibujo no excluye una gran inventiva en sus retratos.
Sofonisba Anguissola era una de las seis hijas de un noble de Cremona: Amilcare Anguissola. Sus hermanas Elena, Europa, Anna Maria, y Lucía también eran pintoras. Sofonisba tuvo una carrera larga y distinguida. Ella era la pintora designada en la corte de Rey Felipe II de España. No les permitieron estudiar anatomía ni dibujar de la realidad, por eso la mayor parte de sus cuadros son de ellas mismas y de las personas de su entorno.
El historiador de arte Giorgio Vasari le escribió a su padre: "ha mostrado gran aplicación y muestra más gracia que cualquier otra mujer de su edad en sus esfuerzos por dibujar. . . [y] ha creado pinturas raras y muy bonitas."

EL BARROCO

El Barroco se inicia en Italia, en Roma. Los papas querían reaccionar contra la Reforma protestante y mostrar de modo espectacular la grandeza del catolicismo romano. El nuevo estilo se extendió en seguida por España, Portugal, Flandes, Austria, Alemania del sur y Checoslovaquia. Luego atravesó el océano Atlántico y se implantó, con los misioneros jesuitas, en la América Latina.
El arte barroco insiste ante todo en la decoración. Algunas plazas de Roma parecen grandes escenarios de teatro preparados para representaciones inacabables. Las fachadas de las iglesias están pegadas sobre el edificio de un modo puramente decorativo, sin hacer cuerpo con él, al contrario que el arte románico o gótico. Las formas complicadas y atormentadas expresan la alegría o el dolor de una manera a veces excesiva.
Los pintores del barroco trasladaron a sus cuadros o a sus frescos este frenesí de movimiento y de juegos de luz.
Vamos a conocer a dos mujeres artistas de esta época. A una de ellas, Artemisia Gentileschi, se la considera la primera mujer pintora de la historia.

Artemisia Gentileschi es considerada en la actualidad como la primera mujer pintora en la historia.
Hija del pintor Orazio Gentileschi, quien reconoció su coraje y talento, nace en Roma en 1593, ella desarrolla sus cualidades artísticas frente a los esquematismos machistas (sociales y religiosos) de la época que intentan limitar su arte. Su cuadro Judith decapitando a Holopherne, lo realizó cuando ella tenía 18 años . El pintor Agostino Tassi fue su maestro en el aprendizaje de la perspectiva. Su encuentro con él representa para la joven pintora una doble revelación: la de su sensibilidad artística y las pulsaciones de la creación.
Artemisia Gentileschi fue una de las pocas pintoras del periodo barroco que pudo trabajar y vivir como artista. Su obra, marginada de los libros de historia hasta hace dos décadas, es bien conocida en la actualidad.
Actualmente se conservan sólo 34 de sus pinturas, y muchas de ellas se atribuyen a sus contemporáneos masculinos.

NEOCLASICISMO

El neoclasicismo (o simplemente clasicismo) es un movimiento artístico y literario que consiste en la imitación de los modelos griegos y latinos, considerados como estéticamente perfectos. Como movimiento, nace con el humanismo del Renacimiento italiano y luego se extiende por toda Europa.
En sentido general, "clasicismo" significa sobriedad, mesura, buen gusto y, consiguientemente, rechazo de todo lo que sea ruidoso, chillón o extravagante.
En Francia aparece en el siglo XVII como una reacción contra el estilo barroco, pero concluye en un academicismo, a veces frío y sin imaginación. Todos obedecen a una misma idea, todos están unidos por una comunidad de gustos y de principios: afán de imitar a los autores antiguos, deseo de la verdad y de lo natural, aversión a lo extraño y lo excepcional, sujeción a unas reglas, voluntad de disciplinar la imaginación y sensibilidad ante el razonamiento.
El clasicismo es también una búsqueda de la perfección, pues el artista trata de organizar todo lo que está inacabado, lo que es incoherente: intenta darle una unidad. La obra clásica, en lugar de detenerse en los pequeños detalles, en los hechos demasiado particulares o accidentales, pretende realzar lo que es eterno. Estas reglas estrictas a veces frenaron la imaginación de los artistas, que estaban obligados a ser demasiado disciplinados con las reglas establecidas.

E-Louise Vigée-Le Brun (París (1755 - 1842)
Pintora francesa. Se inició en la pintura junto a su padre, pintor mediocre. En 1775 tenía ya un gran renombre entre los medios aristocráticos (retratos de la condesa de Brionne, de la duquesa de Orleans). Su retrato de María Antonieta (1779), está considerado como una de sus mejores obras.
A raíz de la Revolución francesa emprendió un largo viaje, viviendo en Roma, Nápoles, Viena, Berlín, San Petersburgo y Moscú, donde dejó testimonio de sus notables dotes de retratista. En 1802 regresó a Francia, y después se trasladó a Londres, donde pintó los retratos del príncipe de Gales y Lord Byron. Entre sus obras más representativas destacan: los Autorretratos, el retrato de Madame Staël, el de lady Hamilton y los múltiples retratos de María Antonieta. Ha dejado unas memorias: Recuerdos (1835-1837).

Angélica Kauffmann (Coire, Grisones,1741 - Roma,1807)

Pintora suiza, Angélica Kauffmann fue un prodigio del niña, que se inició en el arte junto a su padre, el pintor Joseph Johann Kauffmann . Después de la muerte de su madre, ella viajó a través de Austria y Italia con él y le ayudaba a pintar en los fondos de sus trabajos, pero pronto consiguió una reputación sólida como artista. Estuvo influida por Correggio y Carracci y copió los trabajos de estos pintores como parte de su entrenamiento artístico. Después su estilo reflejó un sabor neoclásico influenciado por Benjamín West y Sr. Joshua Reynolds.En 1766 Kauffmann viajó a Londres. Ella produjo muchos retratos (lo mejor de su obra) y pintura decorativa, pero prefirió los cuadros de historia que eran considerados el género artístico más alto. Un testimonio del éxito de Kauffmann es que fue uno de los miembros fundadores de la Academia Real británica en 1768.

IMPRESIONISMO

El impresionismo fue un movimiento artístico nacido en Francia en la segunda mitad del siglo XIX que tuvo un papel fundamental: permitió pasar del realismo al arte abstracto del siglo XX.
El impresionismo rechazaba los temas clásicos que habían dominado en la pintura desde el Renacimiento. Las escenas mitológicas, religiosas e históricas, o los retratos de hombres célebres, ya no inspiraban a los innovadores, que renunciaron a los asuntos tradicionales. Para ellos, todo podía ser pintado y debía ser pintado: escenas callejeras, fiestas populares, bailes, estaciones, ferrocarriles y, sobre todo, paisajes.
Los impresionistas trataban un tema por sus tonos y no por el tema en sí. Jugaban con los colores e intentaban expresar lo que sentían al contacto con la naturaleza. Sus pinceles se interesaban por los reflejos en el agua, las vistas a través de la niebla o el humo y por todo lo que cambia o se modifica. La importancia dada a la luz va en detrimento de la forma, de la superficie y del volumen. El contorno desaparece. Los objetos, la degradación de tonos y la perspectiva eran sugeridos por pequeñas manchas de color. Los contrastes y los claroscuros son abandonados: lo importante eran los matices. Las sombras estaban animadas por reflejos. Cada color, fundiéndose con el que le rodea, da la impresión de ser otro tono.
Este nuevo estilo se apoya en la experiencia visual. Al rechazar el academicismo y buscar la realidad inmediatamente perceptible, engendra una verdadera revolución artística. Llevados por su ansia de libertad y de sinceridad, los artistas impresionistas abandonan rápidamente los estudios donde trabajaban para ir a pintar al aire libre.
Vamos a conocer a cuatro fantásticas mujeres impresionistas.

Eva Gonzalés (1849 - 1883)

Hija del escritor francés, Enmanuel Gonzalés, la joven burguesa empezó sus enseñanzas en el estudio de Chaplin en 1865 y más tarde en el taller de Edouard Manet para convertirse en modelo y alumna. La influencia de Manet en su pintura es muy significativa hasta 1872, en que empieza un estilo más personal, especializándose en obras al pastel y tonalidades claras. En 1879 se casó con uno de los hermanos del grabador Henri Guérard, naciendo de esta relación su hija Julie.

Berthe Morisot (Bourges, 1841 - París, 1895)

Berthe Morisot fue una pintora impresionista francesa. Influida por los artistas Camille Corot y Édouard Manet, casándose con el hermano de éste, Eugène, en 1874. Abandonó su primera formación clasicista en 1868 al conocer a Edouard Manet, en busca de un estilo impresionista muy personal, caracterizado sobre todo por la delicadeza y sutileza que supo imprimir a sus cuadros. Su técnica, basada en grandes pinceladas aplicadas libremente en todas direcciones, dio a sus obras unas calidades transparentes, iridiscentes, tornasoladas. Trabajó tanto la pintura al óleo como la acuarela, realizando principalmente paisajes (las escenas al aire libre eran muy atractivas para Morisot al estar tomadas al aire libre, directamente del natural, como sugerían los impresionistas) y escenas intimistas, de mujeres con niños, en donde narra la vida más cotidiana, más cercana al espectador, escenas de interior en las que predominan los blancos, no dejando de lado el interés que le despierta la luz, aunando ambos conceptos en la mayor parte de sus trabajos. A partir de 1880, la influencia de Renoir se refleja en su obra. Murió el 2 de marzo de 1896, dejando cerca de setecientas pinturas a la edad de 54 años.

Mary Cassatt (Pittsburgh, 1844 - Mesnil-Théribus Oise, 1926)

Pintora norteamericana establecida en París a partir de 1875, fue la única artista de esta nacionalidad que presentó regularmente sus obras en las exposiciones del grupo de los impresionistas, grupo que se dedicaba a explorar medios modernos de representar aspectos claves de la vida urbana contemporánea. La singular aportación de Cassatt al arte se concreta en su exploración artística de la relación entre aquello que convertía en moderna a la pintura y en "nuevas" a las mujeres. En reconocimiento a su importancia como principal mujer de la modernidad y principal pintora feminista, se le pidió que realizara un gran mural para el Edificio de la Mujer de la Exposición Colombina Universal, que tuvo lugar en Chicago en 1893.

Marie Bracquemond (1840 - 1916)

Casada con Félix Bracquemond, que tenía celos de su obra, vivió casi como una reclusa. Expuso en diversas muestras impresionistas, hasta que abandonó la pintura en 1890 mortificada por la severa crítica y comentarios adversos de su marido. Aquellas mujeres que se aventuraban a hacer carrera como pintoras tuvieron que sufrir los numerosos prejuicios sociales, que consideraban este tipo de actividades como esencialmente "masculinas" y, por tanto, impropias de una mujer. Destacar profesionalmente era subversivo e, incluso, peligroso.

SIGLO XX

El siglo XX ha sido un período muy fecundo y tremendamente convulsionado, reflejo de los cambios filosóficos y científicos que experimentó la sociedad como consecuencia de las dos Guerras Mundiales.
En este siglo es fundamental referirse al término "vanguardia", entendido como movimiento ideológico, político, literario, artístico, etc., que se adelanta a su propio tiempo con ideas y gustos que contrastan con los tradicionales. En el mundo del arte se aplicó el término de vanguardias históricas a todos aquellos movimientos vanguardistas de este período (cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo, expresionismo, constructivismo...) que suponían una ruptura con lo inmediatamente anterior, que tenían una intención renovadora, de avance y exploración.

Natalia Goncharova (Moscú, 1881 - 1962)

Fué una radical que renovó la tradición a partir de los iconos medievales. Los futuristas le parecieron una nueva academia. Fué proclamada el primer cubista ruso. Aclamó la revolución, aúnque tras la muerte de Lenin se dolió de ella. Parte de su fama se la debe a las obras que realizó para los ballets de Diáguilev, de inspiración folclórica e influencia cubista.

Liubov Popova (1889 - 1924)

Con Exter y Stepanova, fue la artista que más se implicó con la revolución. Formó parte del grupo de Malevich. Murió joven a causa de la escarlatina. Tambien fué una gran viajera, recorrió Italia y se instaló en París donde conoció a Exter.

Alexandra Exter (1882 - 1949)

Ucraniana, una de las estrellas mas brillantes de la vanguardia rusa. Viajó pronto a París donde conoció a Apollinaire, Braque y Picasso. Del cubismo pasó al constructivismo de Malevich y Tatlin. En 1924 se exilió a Francia donde murió.

Olga Rozanova (1886 - 1918)

Malevich dijo de ella que era «la única pintora vanguardista» de la época . Defendia que las formas derivaban de los colores. Había empezado ilustrando libros y posando para otra de las grandes pintoras del momento, Varvara Stepanova.

Varvara Stepanova (1894 - 1958)

Puede que sea la artista que mejor conecta con el presente. Pareja del fotografo Rodchenko. Muchos críticos han visto en sus «Mujeres robot», no una imagen, sino un autoretrato, de la mujer que al mismo tiempo debe ser: artista, madre, amante y trabajadora.

Sonia Delaunay (1885-1979)

Hasta hace poco tiempo la figura de Sonia Delaunay (Sonia Terk , de soltera), siempre se había quedado relegada a un segundo plano, quizás porque siempre estuvo a la sombra de su marido y quizás también porque desarrolló un intenso trabajo como diseñadora en el campo de la moda y de la publicidad, lo que la encasilló como tal. A Robert Delaunay siempre se le había reservado el papel de creador original dejando y dejar a Sonia las aplicaciones a la moda, la publicidad, etc. Un ejemplo de este reconocimiento es la última retrospectiva en el Museo Thyssen, que reúne la obra de los Delaunay.
A la muerte de su marido Sonia Delaunay, comienza a ser reconocida como artista. En la década de los veinte Sonia Delaunay se había dedicado al diseño de ropa y a sus telas pintadas a mano con colores brillantes que revolucionaron el diseño textil. Después de 1940 su estilo se volvió más delicado y sencillo, sobre todo en los gouaches, donde sus experimentos cromáticos alcanzaron nuevas cotas de refinamiento. Realiza abundante obra entre los años 40 y los años 50 y se dedica con empeño a dar a conocer la obra de Robert Delanuay. En 1964, el Museo Nacional de Arte Moderno de París recibió una donación de 58 obras suyas, que fueron expuestas en el Louvre, con lo que se convirtió en la primera mujer que, en vida, vio sus cuadros expuestos en ese museo.
En 1979 se realiza una la primera retrospectiva que recoge la obra de trabajos de Robert y Sonia Delaunay. Fallece este mismo año, el 5 de diciembre, en París.

Georgia O'Keeffe (Sun Prairie, 1887 - Santa Fe, 1986)

Georgia O'Keeffe nació cerca de Sun Prairie, Wisconsin, el 15 de noviembre de 1887. Además de las clases de arte que recibía en el colegio, a los once y doce años de edad le dieron clases particulares de dibujo. O'Keeffe estudió en el Art Institute de Chicago con John Vanderpoel desde 1905 hasta 1906 y en la Art Students League con William Merritt Chase, F. Luis Mora y Kenyon Cox desde 1907 hasta 1908. Asistió a las clases de arte en la Universidad de Virginia impartidas por Alon Bement, que le recomendó que fuera a Nueva York en 1914 para estudiar con Arthur Down en el Teachers College de la Columbia University. En el otoño de 1915, mientras enseñaba en South Carolina, O'Keeffe envió unos dibujos a una amiga que tenía en Nueva York, quien se los enseñó a Alfred Stieglitz. Éste los incluyó en una exposición que organizó la primavera siguiente. Al enterarse de que se habían expuesto sin su permiso, O'Keeffe fue a ver a Stieglitz para que los retirara. Pero los dibujos siguieron expuestos. Stieglitz organizó una exposición individual de O'Keeffe en la sala «291» en mayo de 1917. Además expuso cuadros suyos en las Anderson Galleries en 1923 y 1924, y se casó con ella en 1924. O'Keeffe expuso anualmente en la Intimate Gallery de Stieglitz desde 1926 hasta 1929 y en An American Place Gallery desde 1930 hasta 1946. Además dio clases en el Art Department de la Universidad de Virginia, de 1913 a 1916 (sólo en los veranos); en el Columbia College, Columbia, Carolina del Sur, en 1915, y en la West Texas State Normal School, Canyon, Texas, de 1916 a 1918. Pintó sus primeros cuadros de flores de gran formato en 1924, los primeros paisajes urbanos de Nueva York en 1926 y, tras una larga estancia en Nuevo México en 1929, ejecutó la primera de sus pinturas de huesos en 1931. Tras la muerte de Stieglitz, acaecida en 1946, O'Keeffe se instaló definitivamente en Abiquiu, Nuevo México. En su honor se organizaron numerosas exposiciones retrospectivas. Murió el 6 de marzo de 1986.

Tamara de Lempicka (1898-1980)

Desde Polonia, donde nació supuestamente en 1898 (las fechas de su biografía bailan caprichosas, engañan y ocultan, como ella muy conscientemente hizo durante toda su vida), a Cuernavaca, México, donde moriría en 1980, la vida de Tamara de Lempicka destila la compleja personalidad, víctima de las modas y los vicios de su época, de una artista burguesa con amigos en las altas esferas y, al tiempo, con una existencia oscura y misteriosa, legendaria, que ella misma se ocuparía con mimo de fabricar y alimentar. Aunque su trayectoria es ejemplo del viaje permanente (vivió también en San Petersburgo, Nueva York y Hollywood), fue en los años trascurridos en París, entre 1918 y 1939, cuando realizó la mayor parte de sus obras, las más conocidas y mejor valoradas (sólo 8 de los 43 óleos aquí reunidos están fechados después de 1940). Es en esta ciudad donde todavía hoy la huella de esta enérgica mujer está más presente. Guiados por Enrique Bonet (que firma el cuidado y original proyecto de la exposición gallega) y el comisario de la muestra, Emmanuel Bréon (director del Museo de los Años Treinta), hemos seguido el rastro de la artista desde Montparnasse, donde pronto fijó su residencia, a la Place Vendôme, a la puerta del hotel Ritz, donde tantas veces se alojó, ya mayor, cuando regresaba a París.

Retratos por dinero

A la ciudad del Sena entró Tamara de Lempicka por la Gare du Nord, huyendo de la revolución bolchevique con apenas 20 años y una hija pequeña. Y a pesar de que su amor por el arte se había iniciado tiempo atrás, fue la necesidad de ganar dinero para mantener a su familia lo que le hizo acudir a clases de pintura, perfeccionar la técnica y dirigir esa pasión hacia el mundo del retrato bien pagado por la clase alta parisién. De la Academia de la Grande Chaumière pasó a la Academia Ransom, donde fue alumna de Maurice Denis, amigo de Gauguin y líder en aquel momento del movimiento modernista.“Mi obra es un autorretrato permanente” decía, y efectivamente así se refleja en muchas de sus pinturas, retratos de mujeres de enorme fuerza, complejos y forzados encuadres que encierran a poderosas damas de la época, como la Duquesa de la Salle, conocida lesbiana, gran amiga de Tamara y cuya figura estuvo mucho tiempo colgada frente a la cama de la artista en su piso de Montparnasse. La vida en MontparnasseAllí, y tras una época en habitaciones de hotel, decidió establecer su residencia. Una zona dinámica que entonces empezaba a sustituir a Montmatre en las vidas de artistas y bohemios, con lugares de reunión como el Café du Dôme, el selecto Café Rotonde o el archifamoso La Coupole que, aunque ha perdido parte de su glamour de antaño, conserva todavía entre las decenas de fotografías de sus paredes las miradas de los muchos famosos que atrajo aquellos años. O las mesas en la calle de Les Deux Magots, donde tantas veces esperaba a que su hermana Adrienne, arquitecta y confidente, saliera de clase. Aunque nada queda de aquel primer apartamento donde se instaló con su hija y su marido, aún se respira en este barrio de la Rive Gauche el decadente ambiente de aquellos años, los felices 20, que tan prolíficos fueron para Tamara de Lempicka. “En el catálogo razonado hay 550 cuadros, de los cuales 200 pinturas fueron realizados en París, entre 1925 y 1935”, explica ahora Alain Blondel, galerista parisién y autor en 1999 del volumen que recoge toda su obra.Y fue en Montparnasse donde la artista conoció a su maestro definitivo, con quien consiguió ampliar su personal visión de la pintura: André Lhote, junto a quien Tamara de Lemicka aprendió a reinterpretar el movimiento dominante: “Heredera del cubismo y del postcubismo, para los críticos y directores de museo Tamara de Lempicka es un enigma, un extraterrestre, porque su obra parte de ningún sitio”, afirma sin titubeos Bréon. De hecho, y a pesar de vivir el ambiente intelectual de los cafés de la época, Lempicka “no encajó en los movimientos artísticos de su tiempo, es una pintura difícil, y ella una persona al margen de esa vanguardia artística con quien no congenió, nunca entró a formar parte de esos grupos”, añade Blondel. La estrella de los años treintaEmmanuel Bréon dirige el Museo de los Años Treinta, situado en Boulogne-Billancourt, a las afueras de París (zona hoy famosa por albergar el torneo Roland Garros). Y es allí donde se puede ver el Retrato de Tadeusz, realizado en 1928, uno de los pocos cuadros de Tamara presentes en una colección pública, ya que la mayoría pertenecen a coleccionistas privados, muchos de ellos personalidades del mundo de la fama y del espectáculo (Madonna o Barbra Streisand son algunas de sus compradoras más conocidas). Y es también en este museo donde la obra de Tamara ha tenido la oportunidad de dialogar con los diseños y maquetas de Mies van der Rohe o Eileen Grey, con quien compartió entonces el gusto por la arquitectura y el diseño. No en vano, en cuanto tuvo ocasión cambió aquel pequeño piso por un enorme estudio en la Rue Méchain, en pleno centro de Montparnasse, en un edificio del arquitecto modernista Roger Mallet-Stevens (también presente en el Museo de Bréon). La visita al centro de Boulogne-Billancourt es un viaje en el tiempo, un paseo por habitaciones decoradas al gusto de la artista. Allí, “el Tadeusz es nuestra mona lisa”, confiesa el director.
Icono del art decó
“Muy pronto realiza una obra de acabado perfecto –continúa Bréon–, que da la impresión de ser concebida como obra publicitaria, marcada por el cine, con un encuadre muy corto. Hay quien atribuye esta característica a la influencia de los iconos rusos”. De hecho una de sus pinturas más famosas, pronto reconocida como icono del art decó, su Autorretrato o Mujer del Bugatti verde, fue ideada para ser portada de la revista Die Dame en 1929 y significó el acceso de su obra al gran público.“Pero las exposiciones llegan tarde”, dice Blondel, ya en su galería, hoy en el barrio del Marais, cerca del Pompidou. Y es que no es hasta los 70 cuando París le brinda otra oportunidad. Blondel redescubre a Tamara en una revista del 29 y organiza una retrospectiva que la rescata del olvido. “Entonces ella vivía entre Houston y Cuernavaca, nos mostró lo que hacía entonces pero había cambiado totalmente de estilo y tuvimos que insistir para que se centrase en los años 20 y 30”. De aquella muestra se vendió sólo un tercio, “el cuadro más caro alcanzó los 15.000 euros –explica el galerista–, mucho para la época pero nada que ver con los 3 millones de dólares que valdrían tras su muerte”.

Dora Maar (1907-1997)

Dora Maar murió sola en Francia en 1997. Sus pinturas, dibujos, esculturas y fotografías fueron repartidas, subastadas y esparcidas. Su elegido exilio del mundo había acabado por volverla invisible, y su recuerdo se evocaba siempre unido a la figura de Picasso, de quien fue compañera durante siete años. Pero Dora Maar fue mucho más que la amante de Picasso. Esta mujer, fotógrafa, pintora, amiga de los surrealistas, poeta, ensombrecida por el genio, es rescatada del olvido injusto por Destino, quien publica este acercamiento a la obra de Dora, que comenzó su andadura artística en los años 30. Amiga de Brassai, que la describía "con ojos llenos de vida y mirada atenta, de una fiereza en ocasiones perturbadora", antes de conocer a Picasso Dora viajó sola a España, creó un estudio fotográfico junto a Kéfer, expuso en numerosos lugares y formó parte del círculo surrealista del París de los años 30. Bajo la mirada apasionada de su cámara posaron Paul y Nusch Eluard, Cocteau, amigos y compañeros durante la guerra mundial que asoló los sueños de todos ellos. Su vida junto a Picasso aportó en el plano artístico las conocidas fotografías de la elaboración del Guernica, además de retratos y lienzos. Fue la modelo inspiradora de numerosas de sus obras, quedando reflejada en el Guernica como la mujer que lleva la lámpara.

lunes, 9 de junio de 2008